¿Cómo dibujar de manera realista?

La dibujo realista siempre ha sido motivo de admiración para el público en general y los diseñadores novatos.
A pesar de que el fotorrealismo me interesa cada vez menos, debo admitir que me fue imposible seguir evitando el tema.

Primero déjame explicarte el diferencia entre fotorrealismo y realismo (o al menos mi percepción de estos dos conceptos).
El fotorrealismo es, como su nombre indica, de una referencia fotográfica. Puede tomar las fotos más hermosas como referencia para sus dibujos, pero esto nunca reemplazará la observación directa a simple vista.
¿Por qué?
Por la sencilla razón de que el retina recoge mucha más información que el sensor de la cámara, tanto en número de colores como en número de valores, sin mencionar el hecho de que la lente de una cámara nunca puede imitar completamente la visión focal humana.

Como ya les había explicado, en los últimos años ha surgido un gran número de diseñadores “artesanos” que han hecho puros impresión fotorrealista, en ausencia de una creación original.
Quizás hubiera sido más sensato para la mayoría trabajar de acuerdo con el modelo viviente, la historia para exponer un poco más sus cualidades de observación.

De hecho, dibujar a través de una cámara sin haber llevado sus conocimientos teóricos más allá de la técnica de la cuadrícula, a menudo conduce a un renderizado. soso y sin creatividad.
Incluso si este tipo de artificio es suficiente para satisfacer al público en general durante unos minutos, es difícil destacar artísticamente al hacerlo.
Repito, sea cual sea el nivel de un artista, sólo la intención artística podrá distinguirlo, tanto en forma como en contenido.
Es su visión de las cosas, sus ideas, sus intenciones las que harán que su trabajo marque la mente de los demás, ni más ni menos. La el estilo artístico es solo una consecuenciay no al revés.

Agregar realismo a un dibujo creativo (y especialmente imaginativo) implica relativamente empuje de luz y materiales.
La bonne nouvelle, c’est qu’ à force d’observation, de réflexion, de pratique intelligente et méthodique, il est possible de comprendre comment la lumière interagit avec les matériaux, et au final d’inventer de toutes pièces les tonalités d’ un dibujo.
O mejor aún: de manipular los valores de un dibujo para crear una composición armoniosa y personal, para facilitar la lectura de la imagen y para servir la historia (o el mensaje).

Quién nunca se ha dicho a sí mismo: «¡cuantos más detalles hay, más realista es!»
Es fácil creer que el realismo proviene de un montón de detalles.
No hay nada más malo en la realidad.
Aquí hay un ejemplo muy simple con el que puede experimentar: Enciérrese en una habitación oscura, pero no completamente oscura, con poca luz ambiental. Verá las formas borrosas de los objetos, sin ver realmente los detalles de la superficie, pero aún así encontrará la escena realista.
En pintura y dibujo es lo mismo.

La verdadera lección que se puede aprender del realismo es: El hecho de que pases 20 horas dibujando o pintando los detalles no significa que ganarás realismo..
Por el contrario, es muy frecuente que en los primeros minutos se desarrolle todo.
Básicamente, deja de perder el tiempo en nimiedades superficiales y centra tus esfuerzos en las primeras etapas de la creación.
Siempre es más importante cómo vas a utilizar la primera hora.
Debe entenderse que el realismo surge de las primeras etapas del dibujo, y en particular de la dimensiones, la valores, la siluetas / fronteras, y los colores / tintes.

Los maestros pintores más reconocidos son los que suelen decir mucho con pocos detalles. Tanto como para admitir, cada trazo o pincelada se mide y se calcula.
Cuando pintamos, en lugar de dibujar frenéticamente líneas sin importancia o significado, es mejor dar un paso atrás y purifica nuestro impulso.

Ya hablaba de eso en mi entrenamiento de bocetos y en mi entrenamiento de coloración digital: cuando inventas o modificas una composición existente, es muy interesante dividir tu escena en dos valores, por ejemplo a la manera de Caravaggio.
Esto permite aclarar y visualizar rápidamente la escena, no solo comenzando a describir o sugerir los elementos con un juego de sombras y luces, sino también modificando la lectura.
Esta técnica de maqueta de «claroscuro» es una forma rápida y eficiente de manipular la luz y la composición rápidamente.
Aquí hay un ejemplo de un prototipo de descomposición de luz tomado de una pintura existente:

Una vez que la luz y la sombra estén claramente demarcadas y se hayan tomado la mayoría de las decisiones importantes, entonces, y solo entonces, podemos pasar a una versión más detallada.

Una vez que se haya creado su miniatura de dos valores, considere que puede ir a 3, luego a 5 valores como quieres agregar realismo.
Restringir los valores lo capacitará para comprenderlos y manipularlos a voluntad, y así tomar las decisiones correctas para su dibujo realista.
Considerar:
– un modelo en 2 valores como un bosquejo aproximado de efectos de luz.
– un modelo en 3 valores como un bosquejo aproximado de la escena en 3 dimensiones.
– un modelo en 5 valores como un vista previa realista de tu escena.

Desafortunadamente, el error común del diseñador inexperto es querer agregar demasiados valores desde el principio, sin tomarse el tiempo para segmentar realmente la luz y la sombra para establecer la jerarquía de tonos.
Establecer una correcta jerarquía de valores equivale a entender lo que hacemos con la luz y al mismo tiempo simplificarla..
Es muy fácil perderse si no sabe cómo planificar y tomar las decisiones correctas, incluida la separación adecuada de la luz y la sombra antes de continuar.

Si quieres ejemplos sencillos para formarte de una manera bastante académica, aprende cómo observar yesos.
Importante: ¡No hagas trampa, trabaja en colores sólidos! y evite cualquier cambio de valor durante este ejercicio. Así es como realmente aprendes a tomar decisiones acertadas y justas.

“Comprimir” un rango de valores equivale a reducir la importancia de un rango de valores (por ejemplo, los tonos claros más importantes que los oscuros) para dejar el énfasis en los demás.
Esta iniciativa acentúa laefecto de profundidad, retroceder o avanzar en el espacio según la aplicación.

Hay tres familias principales de valores: valores oscuros, valores medios, valores claros. Tenga cuidado, oscuro no significa necesariamente “negro”, sino más bien “lo más oscuro de la imagen”. Lo mismo se aplica a las partes brillantes de la imagen.
Si «comprimo» el rango oscuro (aproximadamente si degrado o aplana ese rango), habrá más margen de maniobra para los valores medios y claros. Este también es un caso bastante clásico para la pintura realista.

El error clásico es representar sombras que son demasiado claras en su hoja o lienzo en blanco.. De hecho, en estas condiciones, no quedará espacio para los valores medios y claros.
Estoy en una buena posición para saberlo durante estos dos últimos años, tuve que corregir cerca de mil dibujos de estudiantes: este error es recurrente, lo he visto cientos de veces (sin reír).
Una solución a este flagelo: apoye sus sombras una vez que sepa dónde aplicarlas.

Esto no le impedirá planificar los límites de sus sombras con valores medios, sino que prefiere oscurecer las sombras una vez planificado.

Siempre me gusta hacer el acercamiento con la fotografía, lo que permite comprender estos conceptos de jerarquía de valores.
Dependiendo del contraste de la escena, si expongo una foto para los valores medios, tendría menos espacio para los detalles en los valores oscuros y claros.
Y Yo sobreexpongo, la compresión de los valores se hará en las iluminaciones, y tendría más detalles en las sombras.
Y Yo subexpongo, la compresión de los valores se hará en la oscuridad, y tendría más detalles en las partes brillantes.

La forma en que priorizará los valores depende completamente de la naturaleza de la escena y la importancia que le quieres dar a ciertos elementos. En la mayoría de los casos, es una buena idea ampliar los detalles más allá donde sea necesario y sugerir el resto.
A menudo es gracias a un contraste local que ponemos énfasis en una parte de la imagen, y para crear este contraste necesitamos un cierto margen de maniobra en nuestra jerarquía.

Esto es a menudo lo que sucede cuando nuestra mente sigue modo «piloto automático».
Y es por esta razón que se recomienda mantener su maqueta (o miniatura) a su lado mientras trabaja en su versión final (o una iteración superior de nuestra imagen).
Cualquiera que sea su proyecto y el medio utilizado, ahorrará tiempo y eficiencia al trabajar de esta manera.
La maqueta es su plan, sin ella aumenta la probabilidad de perderse en el render final y fallar.
Tenga en cuenta que en la mayoría de los casos será más interesante comenzar representando el valor más oscuro en el diseño (como si estuviera estableciendo una miniatura de dos valores).
Me acostumbré a no presionar demasiado para este paso desde el principio y esbozar estos sólidos con un valor promedio, solo para dame una idea de la forma general de la sombra. Pero este paso no debería impedirteintensificar la sombra después, sobre todo si estás trabajando a lápiz sobre papel blanco (prefiero repetirlo).
Luego te aconsejo que encuentres el valor más oscuro de la parte iluminada, primero los valores oscuros, luego los valores medios de la parte iluminada, diferentes según el caso y el medio.
Si está trabajando con la herramienta digital, aproveche la oportunidad para representar áreas nítidas y precisas antes de detallar las transiciones.

Otra solución para encontrar rápidamente su jerarquía de valores es comenzar con los extremos y luego trabajar en los tonos medios.
Este método es especialmente interesante para no te quedes dentro de los valores que impone una foto o la realidad.
Tenga en cuenta: lo más importante es el relación entre valores, y no los valores usados ​​por ellos mismos. (esta relatividad también se aplica a los colores).
Es el diferencial que …