Academia de la ópera italiana

TÉCNICA ITALIANA DE CANTAR
Para nosotros, la práctica antes del escenario es de suma importancia. Hay muchas cosas de las que debemos tener cuidado en el escenario. Por tanto, contar con una técnica de canto sana y correcta nos ayudará inmensamente. La base de la técnica italiana de san es el uso correcto del diafragma, la producción de una voz alta (suono) y la combinación natural de estos dos. Con una técnica adecuada de san, podemos extender nuestra vida artística y mantener la salud de nuestras cuerdas vocales, manteniéndolas frescas. Una buena parte de las enfermedades relacionadas con la voz y la garganta son causadas por el uso inadecuado de nuestras cuerdas vocales y los músculos que las rodean. La voz que produzcamos debe ser “brillante” o reluciente en todo momento. Y la respiración, apoyada por el diafragma, debe estar en la dosis correcta que haga vibrar las cuerdas vocales sin tensión en las cuerdas. La mayoría de los entrenamientos de san le aconsejan que no presione la voz y, por supuesto, esto es lo correcto para decir. Sin embargo, si no sabemos cómo utilizar este mecanismo correctamente, es inevitable que empujemos la voz. Por este motivo, es importante utilizar la técnica italiana en la voz.

INTERPRETACIÓN

La interpretación es el tema más importante de la ópera. Es la piedra angular teatral dentro del arte de la ópera. Saber CÓMO decir lo que estás diciendo. A diferencia del teatro de la prosa, estamos atados a la música, específicamente en términos de tiempo debido a la música en curso. Por tanto, debemos actuar en plena armonía con las frases musicales. Al contrario de lo que generalmente se ejerce, la ópera no es el arte de producir una voz aguda; en cambio, es el arte de la interpretación. Tanto en la historia de la ópera, como en las escenas contemporáneas, podemos ver a muchos cantantes que han logrado maravillas gracias a su capacidad de interpretación, a pesar de no tener la ventaja de la voz. Además, muchos cantantes con grandes voces han subestimado la importancia de la música y la interpretación, lo que terminó con sus portadores musicales después de cierto límite. Si la música, el teatro y la interpretación están en el centro desde las primeras etapas, se pueden superar los desafíos técnicos.

FONÉTICA EN ITALIANO Y DICTACIÓN

El uso correcto del lenguaje le da una ventaja significativa al cantante. Cuando se combina con el uso correcto del lenguaje, un estilo de canto por encima del aliento que se apoya en el diafragma, se elimina el problema de no poder entender lo que se dice, una queja común de la audiencia. La pronunciación correcta del italiano no es suficiente por sí sola. También es necesario un uso correcto del acento y un estudio en profundidad de la fonética italiana. El uso correcto de vocales abiertas y cerradas y el uso correcto de consonantes sin obstaculizar el legato aumentan la calidad del cantante de ópera. Como dice Alfredo Kraus, quien es un experto en estos temas además de ser un perfecto tenor, los miembros de la audiencia que están sentados en las últimas filas tienen el mismo derecho a escuchar y comprender las palabras. Vale la pena señalar que el escenario es una plataforma mágica. Con poco esfuerzo, técnica de respiración correcta y buena pronunciación, nuestra voz trasciende todos los límites hacia el corazón. El italiano es el idioma del teatro; la terminología musical deriva del italiano; y siempre hay alguien que habla italiano en las óperas de todo el mundo. Nuestro consejo para las personas que deseen realizar esta forma de arte es que deben ser cantantes abiertos que dominen el idioma italiano.

COMPOSITORES DEL SIGLO XVIII Y ”RECITATIVO SECCO”

Los compositores del siglo XVIII son el núcleo del canto de la ópera italiana. En general, las óperas tenían una estructura melódica básica; la trama y los tiempos teatrales se dieron a través de “recitativos”, y los personajes expresaron sus emociones a través de arya’s, duet’s y konsertant’s. Las óperas y los personajes se derivaron de la Commedia dell’arte, el teatro de arte tradicional italiano. Por ejemplo, Figaro como personaje es «Arlecchino», mientras que Bartolo es «Pantalone» y Susanna es «Colombina». Cada uno tiene sus propias características. Figaro / Arlecchino juega un papel importante en las partes que muestran cambios, como la introducción, el desarrollo y la resolución. Susanna / Colombina es la joven enamorada. Bartolo / Pantalone es el caballero que es ridiculizado por su severidad y terquedad. Puccine, a diferencia de las óperas de Verdi, puede parecer más simple en términos de vocalización, pero requiere una gran atención. Recitativo proviene del verbo italiano «recitare». Recitar significa actuar. Recitativo’s son los espacios en los que la obra está muy densa con elementos teatrales. Para recitativo correctamente, se debe evitar el oscurecimiento indebido de la voz y se debe firmar desde el lugar natural del habla con el apoyo del diafragma. En la explicación más simple, un recitativo es un discurso musical. Compositores del siglo XVIII como Baldassare Galuppi, Giovanni Battista Pergolesi, Giovanni Paisiello y WAMozart reflejaron la melodía natural del idioma italiano hablado a diario a través de sus recitativos. un cantante que sabe cantar las óperas del siglo XVIII tiene una gran ventaja en cuanto a entonación, interpretación y musicalidad.

ANÁLISIS DE CARACTERES

El análisis de caracteres se suele descuidar. En los teatros importantes de Europa, rejisor se sienta con los cantantes para analizar los personajes antes de los ensayos: rasgos de personalidad, el estatus socioeconómico, la psicología del personaje que está actuando y la sociología de la época que el personaje vivió debe ser analizados para lograr una interpretación adecuada. Por ejemplo, al cantar el Figaro en Rossine, Sevilla Barbero, tenemos que ser “brillantes”, que varoniles de vida y alegres. A la hora de interpretar a Violetta, la protagonista de La Traviata de G. Verdi, debemos ser conscientes de las exigencias de interpretar a una prostituta de alto nivel que quizás por primera vez en su vida se enamora para no acabar con una actuación media. . Del mismo modo, Cavaradossi en Tosca de G. Puccini es un artista rebelde que no renuncia a los ideales a riesgo de perder la vida, mientras que Scarpia es un miembro despiadado pero elegante de la aristocracia siciliana. Y todos estos rasgos de personalidad deben transmitirse en nuestra voz e interpretación.

Un cantante de ópera exitoso es bueno en el uso de estas tres herramientas;

¡Lenguaje, Música y Drama!

Cuneyt Unsal